Sens de la visite (Jérémie et Lisa THOMAS)

A 26 ans, Doriano Navarra veut continuer à faire vivre et développer la galerie d'art contemporain que son père, Enrico Navarra, a créé. Une responsabilité passionnante. Je l'ai rencontré à la Villa Navarra, au Muy, dans le Var, ce lieu d'exception qui expose et valorise les artistes de la galerie, depuis la fin des années 80. Autour de la table de la cuisine, on a évoqué les projets à venir et ses souvenirs, lui qui a grandi au milieu des oeuvres d'art. Une histoire de galerie... et de famille. 

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Suivez les pas de Christelle Téa, artiste dessinatrice de talent, qui nous fait visiter son exposition "Musées dessinés" au Musée Cognac Jay de Paris. Pendant toute une saison, Christelle a dessiné les 14 musées de la Ville de Paris, à l'encre de Chine, sur le vif, sans ébauche ni repentir. Une performance d'artiste. Depuis toute petite, Christelle dessine chaque jour, c'est comme une respiration pour elle. Dessiner, c'est sa destinée.

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Marion, 24 ans, aime le Musée du Louvre, depuis toute petite. Etudiante, elle y a même travaillé en tant qu'agent de surveillance, pendant les vacances. Une bonne façon pour elle de veiller sur les oeuvres et de s'attacher à quelques unes d'entre elles. Loin des stars du Musée comme la Joconde ou la Venus de Milo, elle nous emmène dans des salles qu'elle connaît bien, à la rencontre de ses trois oeuvres favorites. Une visite du musée, intime et personnelle, un "pas de côté"...

Remerciements au Musée du Louvre

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Frère Jean a 75 ans. Il est moine orthodoxe et photographe. Il a rencontré la foi à 33 ans, sur le Mont Athos en Grèce. Avant cela, il était reporter et photographe de mode. Il a tout changé du jour au lendemain pour consacrer sa vie à Dieu, mais en gardant l'Art et la Photo à côté de lui. Nous sommes allés le rencontrer dans son Monastère, situé en plein coeur des Cévennes. Il nous a ouvert ses cartons à photo. L'occasion pour lui de nous parler de tout ce qui le fait vibrer, et de ce moment charnière où sa vie a changé. Aujourd'hui, ses photos, prises tout au long de sa vie, l'aident à transmettre un message qui lui est cher: Sur terre, chaque chose est unique. Un instant, un visage ou une feuille de chêne... 

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En plein coeur de Saint Etienne, il existe une école, maternelle et primaire, qui expose près d’une centaine d’oeuvres d’art contemporaines: des peintures, des pochoirs, des fresques, des collages… Disséminées un peu partout, dans les salles de classe, la cour d’école, le gymnase, les escaliers, et même au-dessus des portes manteaux… Elle s’appelle l’Ecole Chappe.

Depuis 2015, son directeur, Jérémy Rousset, a lancé un appel à des artistes contemporains, street artists, photographes ou plasticiens, pour qu’ils viennent dans son école, dessiner, peindre et créer, in situ, devant les élèves. 

Et une fois par an, ce sont les enfants qui font la visite, les salles de classe se transforment en salles de musée.

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Il y a quelques semaines, à Paris, se tenait une exposition intitulée “Talents Cachés”, qui regroupait plus d'une centaine d'œuvres d’art réalisées par des détenus venant d'une dizaine de centres pénitentiaires d’île de France.

Le but est de donner la possibilité à ces hommes et ces femmes, en détention, de pratiquer une activité artistique, pour les aider à mieux vivre leur quotidien et préparer leur réinsertion. Dans cet univers d’enfermement, l’art leur apparaît alors comme une évasion. C’est François Charron, commissaire de cette exposition, qui m’a reçu et fait la visite. Sur place, j’ai également rencontré, un des exposants: John le Reune… Sorti de détention il y a quelques mois, le temps passé en prison a pour lui était l’occasion de se reconnecter avec un besoin créatif qu’il avait depuis l’enfance… 

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En 2014, Christopher Michaut, alias Mr. Bacchus ( sur Instagram), s'est retrouvé par hasard dans le Département des Peintures Scandinaves, au Musée du Louvre. Il est tombé nez à nez devant les peintures de Peder Balke, un artiste norvégien du 19ème siècle, reconnu pour ses paysages du Grand Nord. Il en a gardé un souvenir mémorable. Nous sommes retournés avec lui sur les lieux de cette rencontre et sur les traces de ce peintre, qui donne envie de voyager...  

Un grand merci aux équipes du Musée du Louvre pour leur accueil. 

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La première fois que Noëmie, notre guide du jour, a visité le Musée de la Vie Romantique, elle était une étudiante toute juste arrivée à la capitale, en provenance de sa Normandie natale. Ici, elle a éprouvé le sentiment agréable de se sentir à la maison, à la campagne, en plein coeur de Paris. Le musée est depuis ce jour un endroit où elle vient régulièrement se ressourcer.

Aujourd'hui, Noëmie Roussel est journaliste culture en charge du Pôle Vidéo numérique à France Télévisions et elle transmet dans ses sujets son goût pour les visites de musée et sa passion des vies d’artistes… 

Avec elle, nous sommes retournés chez le peintre Ary Scheffer, au Musée de la Vie Romantique…

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Dans les années 2000, le photographe Mathieu Pernot reçoit en héritage, des mains de son père, un album de photos de famille. Celui de son grand père, parti vivre au Liban, à Beyrouth, entre 1925 et 1958.

En 1926, ce grand père, photographe amateur, entame un périple touristique au Liban et en Syrie: Damas, Homs, Palmyre, Tripoli,... Il ramène des photos de tous ces sites patrimoniaux inestimables.

Malheureusement, depuis 2011, et le déclenchement de la guerre en Syrie, cette région est tristement connue pour ces destructions et ces ruines. De villes, de monuments, de sites historiques.

Mais c’est justement en voyant les images de ce conflit, que Mathieu Pernot se rapproche de l’album de photos de son grand-père et se reconnecte à son histoire familiale. 

Il décide alors d’entamer un voyage initiatique et photographique. en plusieurs étapes.

D’abord, à Beyrouth, à la recherche de l’appartement où son père a passé toute son enfance.

Il va ensuite retourner sur les lieux que son grand père avait photographiés, il y a presqu'un siècle au Liban et en Syrie. Mais lui, va poursuivre le voyage jusqu’à Alep et Mossoul en Irak. 

Et ramener à son tour des photos de ces territoires, aujourd’hui ravagés par la guerre et les explosions.

Elles sont réunies jusqu’au 19 juin, à la Fondation Henri Cartier Bresson, dans le Marais à Paris. Pour une exposition intitulée “La ruine de sa demeure”. 

C’est justement devant ses photos, que nous avons retrouvé Mathieu Pernot, avec une voix douce et des mots justes, il nous a fait revivre son voyage…  

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Avec Lisa, on a passé 2 jours dans un lieu culturel unique en France, l'Espace de l'Art Concret, au contact des équipes et des artistes. C'est à Mouans Sartoux, près de Cannes, qu'est situé ce centre d'art contemporain, dédié à l'Art Concret, un mouvement d'abstraction géométrique, apparu au début des années 30.

L'histoire de ce lieu, l'Espace de l'Art Concret, n'est pas banale et plutôt jolie. A l'origine, en 1990, 2 collectionneurs suisses, Sybil Albers et Gottfried Honegger, décident de créer ce lieu de démocratisation de l'art dans ce petit village des Alpes Maritimes. Ensuite, ils vont faire don à l'Etat de toute leur collection pour permettre la construction d'un nouvel espace d'exposition. 

Aujourd'hui disparu, ce couple a laissé une trace indélébile dans ce village et parmi les équipes de l'EAC, qui continuent de perpétuer leur mémoire et leur action, en faveur de l'Art Concret et de la transmission.

Nous sommes allés à la rencontre de ces équipes passionnées par leur mission, pour dresser un portrait de ce lieu familial.

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Dans cet épisode, on vous emmène voir une exposition, inclusive et humaniste, qui bouleverse les codes de la visite. Elle s'appelle "L'art et la matière, prière de toucher",  elle a lieu au Musée des Beaux Arts de Rouen, jusqu'au 18 septembre 2022. 

Elle permet au public, dans un parcours qu’on peut faire les yeux ouverts ou fermés, de découvrir avec les mains, une dizaine de reproductions de chefs d’oeuvre de l’histoire de la sculpture, de l’Antiquité à nos jours.

Une fois l’expo commencée, on s’autorise enfin ce qu’on a souvent rêver de faire devant une sculpture:  Poser les mains dessus, suivre une courbe, s’arrêter sur les détails d’un visage, et sentir la matière, le chaud ou le froid, dans la paume de la main, ou sur le bout des doigts. 

L'expo est accessible à toutes et tous, enfants, adultes, mais elle s’adresse aussi évidemment, en raison du sens qui est sollicité, aux personnes en situation de handicap visuel. Car, face aux oeuvres, avec ses mains, on est tous sur un pied d’égalité.

Maintenant, fermez les yeux, prière d'écouter la journée que nous avons passée au milieu de l'expo "Prière de toucher".

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Du 8 au 23 juin, l’antenne parisienne de Christie’s, la célèbre maison de vente aux enchères internationale, va vivre à l’heure d’Hubert de Givenchy et de sa collection. 

Parce que le créateur de la marque GIVENCHY, figure majeure de la haute couture, possédait jusqu’à sa disparition en 2018 à l’âge de 91 ans, une incroyable collection d’oeuvres et d’objets d’art, qu’il a sélectionné avec goût et passion tout au long de sa vie, pour décorer les résidences qu’il habitait.

Une exposition publique, 4 ventes physiques et 2 ventes en ligne vont se succéder pour offrir sur le marché l’ensemble de ces pièces, oeuvres d’art, mobilier, sculpture, peinture, qui ornaient ses 2 résidences les plus emblématiques: L’hôtel d’Orrouer, rue de Grenelle à Paris, et le Manoir du Jonchet, dans la Vallée de la Loire.

En tout, 1229 lots, composés notamment de chefs d'œuvre du mobilier français et européen, des sculptures classiques et des peintures de maître ancien, moderne et contemporain (Picasso, Giacometti, Miro ou Lalanne, …)

Cette vente exceptionnelle, pour nous en parler, nous sommes allés rencontrer Cécile Verdier, la Présidente de Christie’s Paris, qui nous a raconté l’histoire d’Hubert de Givenchy et de sa collection, et puis, on a eu le privilège, plutôt rare, de nous rendre dans les réserves de la Maison Christie’s pour rencontrer 2 spécialistes, en art moderne et en mobilier, pour nous présenter certaines pièces incontournables de la collection avec leur regard d’expert. 

Après avoir entendu toutes ces histoires d’oeuvres, de collection et d’enchères, peut-être que votre curiosité vous poussera à vous intéresser un peu plus à certains lots de cette vente, et ensuite, ce sera votre émotion face à une oeuvre ou un objet, qui vous décidera, ou pas, à passer l’acte… d’enchérir.

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Le Musée de Cluny est l’un des plus anciens musées parisiens. Il expose depuis 1843 une collection unique en France d’oeuvres et d’objets d’art du Moyen Age, en plein cœur de la Capitale, dans un lieu à la croisée de plusieurs siècles d’histoires, entre les thermes gallo-romains de Lutèce et l’hôtel médiéval des Abbés de Cluny. Mais depuis quelques semaines, c’est une nouvelle page de son histoire, qui s’écrit… 

Après 11 ans de travaux et 2 ans de fermeture, le Musée de Cluny vient tout juste d'ouvrir de nouveau ses portes. Nous avons passé la journée, à la rencontre du public qui a réinvesti le musée, devant les oeuvres, dans les couloirs, à l’écoute de leurs retours et de leurs regards, dans ce nouveau musée, pourtant très ancien… Nous avons aussi rencontré Anne Sophie Grassin, cheffe adjointe du Service Culturel, c’était l’occasion aussi d’échanger avec elle, sur tout ce qu’un musée du 21ème siècle déploie aujourd’hui pour se rendre plus accessible… Et notamment, la mise en place de nouvelles médiations, sensibles, intuitives, afin de faire découvrir les œuvres, autrement qu’avec les yeux, et permettre au public d’entrer en contact et pourquoi pas en communication avec elles… (https://www.musee-moyenage.fr/activites/programmation.html)

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Elle est flamande, elle vient de Gand, elle s’appelle Berlinde de Bruyckere, et c'est l'une des plus grandes artistes actuelles. Du 18 juin au 2 octobre 2022, elle investit toutes les salles du MO.CO (Montpellier Contemporain). Et une expo de Berlinde de Bruyckere, c’est toujours un événement. 

Parce que ses oeuvres ne peuvent pas laisser indifférent ou insensible. Certaines de ses pièces, par leur évocation de la violence et de la mort, interpellent, choquent ou bousculent. Mais si vous prenez le temps de bien les regarder, vous ne ressortirez pas du musée, comme vous y êtes entrés. Et l’artiste aura réussi son pari: celui de vous questionner et de réveiller votre sensibilité.

De notre côté, fidèles à ce qu’on aime faire, et n’ayant encore jamais vu de nos propres yeux une de ses oeuvres, nous sommes allés à la rencontre des gens qui peuplaient les premières journées de cette exposition. Et au fil de nos discussions avec le public, les équipes et le directeur du lieu, Numa Hambursin, on est parvenus à entrer totalement dans l’univers de Berlinde de Bruyckere. Suivez la visite de cette expo pas comme les autres... 

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Nous sommes allés rencontrer l’un des artistes contemporains français les plus reconnus aujourd’hui, Jean-Michel Othoniel, à l’occasion de sa dernière exposition “Le rêve de l’eau” qui se tient en plein coeur du Palais idéal du Facteur Cheval. 

Et c’est un événement, car c’est la première fois qu’un artiste est invité à investir avec ses oeuvres, ce fameux Palais. 

Depuis 110 ans, ce lieu, unique en son genre, fascine le public autant qu’il inspire les artistes.

26 mètres de long pour 12 mètres de hauteur, des pierres, des coquillages, et de la chaux pour englober le tout. Et un message universel et humaniste. 

Mais le plus fascinant, en regardant ce Palais, c’est de réaliser qu’il a été construit par un seul homme, Joseph Ferdinand Cheval, un facteur, fils de paysan, sans aucune connaissance en architecture ni en sculpture. 

En 33 ans, de 1879 à 1912, il a bâti ce qui est aujourd’hui considéré comme un chef d’oeuvre de l’art brut. 

Lors de ses longues tournées, son esprit rêveur vagabonde pendant que ses yeux se posent sur le courrier qu’il distribue: des cartes postales, des magazines illustrés de voyages, les calendriers de la poste, toutes ces images, de lieux, de voyages commencent à tourner et à se graver dans son esprit. 

Jusqu’au jour où, lors d’une tournée, son pied bute sur une pierre qui manque de le faire tomber. Fasciné par sa forme, elle est pour lui, dans son esprit d’autodidacte bouillonnant d’imagination, le signe et l’élément déclencheur, d’une nouvelle vie. 

Alors, dans son jardin, de ses propres mains, avec des pierres ramassées lors de ses tournées, il va construire un palais rempli de toutes ces images, la nuit, à la lumière des bougies, en continuant d’être facteur le jour.

Même s’il était considéré comme un fou dans son village et aux alentours, le Facteur Cheval, lui, avait conscience qu’il était en train de réaliser une oeuvre qui le dépasserait. Et lui survivrait longtemps.

Il avait raison. Près d’un siècle après sa mort, plus de 200000 personnes visitent aujourd’hui son Palais, et cette année, l’un des plus grands artistes contemporains français, Jean-Michel Othoniel lui rend hommage, en créant cette exposition qui parcourt les grottes, les niches et les alcôves de ce Palais.

Pour célébrer ce lieu qu’il a lui-même très souvent visité, enfant, avec sa maman, il a décidé, au moyen de fontaines, de perles géantes et de vitraux flamboyants, de réaliser l’un des derniers rêves du Facteur Cheval: faire apparaître l’eau et la lumière dans son Palais.

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Jusqu’au 6 novembre 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris expose les œuvres d’une des plus grandes artistes australiennes de ces 20 dernières années, Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori. 

C’est la 1ère fois qu’une exposition personnelle lui est consacrée hors de son pays d’origine, et son histoire, en tant que femme, en tant qu’artiste, est unique. 

L’histoire de Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori commence au début des années 20, sur une île au Nord de l’Australie, Bentick Island, habitée par un peuple aborigène, les Kaiadilt. Très isolés et attachés à leurs terres d'origine, ils sont l’une des dernières communautés à être entrés durablement en contact avec les colons européens. En 1948, un raz de marée dévastateur les contraint à quitter leur île. Pour survivre. Ils seront recueillis sur une île voisine, Mornington Island. 

Arrachés à leur terre, ils perdent leurs repères et se retrouvent comme prisonniers sur cette île. A l'unisson de sa communauté, Sally Gabori vivra toute cette période entre désespoir et dénuement.

C'est en 2005 que la vie de Sally Gabori va radicalement changer.  Alors qu'elle a dépassé les 80 ans, elle découvre la peinture dans le cadre d’un atelier. Pendant près de 10 ans, elle va représenter dans ses toiles, avec des couleurs vibrantes: la terre, le ciel, et la mer de son île natale, Bentick Island. 

Très rapidement, elle acquiert une renommée nationale et internationale. Aujourd'hui, une trentaine de ses toiles sont accrochées, ici, à la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris. Pour vous faire ressentir la force de la peinture de Sally Gabori, nous avons rencontré Juliette Lecorne, la commissaire de cette exposition, Nicholas Evans, anthropologue, linguiste spécialiste de la communauté Kaiadilt, et Bruce Johnson Mc Lean, Conservateur spécialiste de l’art aborigène à la National Gallery of Australia. Ecoutez l'incroyable histoire de Sally Gabori.

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Dans cet épisode, nous rencontrons une jeune artiste multimédia, au Fresnoy - Studio national des arts contemporains.

Créé en 1997 comme “une villa medicis high tech”, tous les ans, il accueille 48 étudiantes et étudiants de tous horizons et de toutes les nationalités, pour leur permettre de créer, en toute liberté, des oeuvres d’art innovantes, dans le domaine de l’audiovisuel et de la création numérique. Et en septembre de chaque année, au sein de l’école, est organisée “Panorama”, une exposition qui regroupe l’ensemble des oeuvres produites pendant l’année par les étudiants. 

Si nous sommes allés rencontrer Magalie, c'est parce que nous avions été marqués, l’année dernière, par son 1er projet qu’elle avait réalisé au Fresnoy - Studio national. 

Une installation interactive qui invitait le visiteur, grâce à la réalité augmentée et une tablette, à rencontrer et écouter des membres de sa famille parler d’un sujet tabou pour eux: l’histoire de la traite négrière et de l’esclavage. 

Dans cet épisode, c’est nous, qui lui avons tendu le micro. Pour écouter sa voix douce mais déterminée nous parler de ce projet qui l’a évidemment transformé, de cette école Le Fresnoy qui a permis de le réaliser, et puis aussi de cette carrière d’artiste multimédia qui s’ouvre devant elle… 

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Nous sommes allés rencontrer, dans son atelier parisien, Shelomo Selinger. Un artiste franco-israélien, sculpteur et dessinateur, de 94 ans. 

C’est l’un des derniers rescapés de la Shoah. Revenu de l’enfer sur terre, c’est l’art qui lui a permis de surmonter les souffrances de ce traumatisme, et son oeuvre, depuis le début des années 60, est un hymne à la vie, à la mémoire et à l’amour.

En taillant directement dans la pierre ou le bois, il évacue ses angoisses, comme il le dit lui-même, en représentant son expérience concentrationnaire, et surtout son amour inconditionnel de la Nature et de la beauté. Un entretien rare.

Voici son histoire... 

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Dans ce nouvel épisode, nous allons parler de danse, d’art numérique, d’apesanteur, et d’exoplanètes…  Nous avons rencontré un duo d’artistes, aux parcours atypiques, qui créent, en binôme, des oeuvres d’art à mi-chemin entre l’art et la science: Jeanne Morel, danseuse et Paul Marlier, artiste nouveaux media.

Conjoints dans la vie, leur collaboration porte un nom: “Art in Space”, un véritable laboratoire de création artistique et d’exploration scientifique. Jeanne danse en milieu extrême, en haut d’une montagne, à proximité d’un volcan ou dans des lieux à la gravité modifiée, pendant que Paul recueille les données biométriques de son corps, et de ses émotions, grâce à la technologie de captation cérébrale. A partir de ces informations théoriques, il va ensuite dessiner des oeuvres d’art numériques.

Artistes et explorateurs en même temps, leur but est de partager aussi bien avec le public qu’avec le monde scientifique, les résultats de leurs expériences, entre ciel et terre.

Nous avons retrouvé Jeanne et Paul, au Musée de l’Air et de l’Espace, au Bourget près de Paris. Dans ce décor tout en démesure, au milieu de satellites et d’engins spatiaux exposés comme des oeuvres, nous avons évoqué leurs parcours respectifs et ce qui les anime en tant qu’artistes chercheurs… 

Dans la 2ème partie de l’épisode, et pour continuer à tisser des liens entre l’art et l’espace, nous irons au CNES, le Centre National d’Etudes Spatiales, pour écouter une conversation passionnante entre Jeanne Morel et Etienne Klein, physicien renommé et directeur du Laboratoire de recherche sur les sciences de la matière, qui a eu lui aussi la chance de voler en apesanteur. 

L’occasion pour eux de nous partager cette “1ère fois” inoubliable, et puis leur vision d’un monde sans gravité. 

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Dans ce nouvel épisode, vous allez suivre les pas (et le nez) d’un parfumeur dans les allées du Musée du Louvre.

Pour Patrice Revillard, notre guide du jour, mais surtout le créateur du laboratoire de parfums Maelstrom, l’art, la peinture, et les natures mortes en particulier, sont une véritable source d’inspiration dans son métier.

C’est donc avec l’objectif de dénicher des détails odorants et des odeurs évocatrices à l’intérieur des peintures, que nous nous sommes retrouvés sous la pyramide du Louvre.

Dans notre quête olfactive, on a d’abord commencé par l’exposition temporaire “Les Choses. Une histoire de la Nature Morte”, puis nous avons continué ensuite avec les collections permanentes du Musée, dans la Grande Galerie des peintures italiennes, puis celle des Peintures françaises… 

De salles en salles, face aux oeuvres, en prenant le réflexe d’y chercher un élément odorant, on découvre en soi une façon originale, instinctive et presque animale de regarder les oeuvres… 

Une expérience inédite pour découvrir un musée, et pour nous, l’occasion d’échanger avec un parfumeur sur les liens entre l’art et le parfum, sur son métier et sur des choses plus intimes… car dès qu’on fait référence à l’odorat, on convoque inévitablement la mémoire, les sensations et les souvenirs…

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Il y a quelques semaines, se tenait à la Collection Lambert, en plein coeur d’Avignon, une exposition intitulée “Notre musée, une collection sentimentale”.  

À l'origine de ce projet qui s’est permis de bouleverser les règles de l’art:  un musée d’art contemporain, la Collection Lambert, associé à des structures du champ social, comme la Fondation Abbé Pierre, entre autres organisatrices du Festival “C’est pas du luxe”. et puis un artiste, Mohamed el Khatib.

Ensemble, ils veulent créer une exposition pour que, chacun, chacune, puisse se ré-approprier l’espace et les collections d’un musée.

Alors, ils ont eu l’idée d’impliquer dans leur démarche, des personnes éloignées du champ de la culture, souvent en situation de précarité, les pensionnaires de ces structures d’hébergement.  Au total, un collectif d’une vingtaine de personnes, venus d’horizons très différents, réunies pour créer cet évènement, où s’entrecroisaient et s’exposaient, au même niveau, des oeuvres d’art de la Collection Lambert et des objets, très personnels, apportés par chacun des co-commissaires.  

Ce sont les histoires de ces objets, intimes, légères, ou bouleversantes, que nous sommes venus recueillir, au micro, et auprès des co-commissaires, quelques jours avant la fin de l’exposition.

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Mélanie MAGE a été bouleversée par une peinture de Pierre Soulages à 16 ans, au hasard d’une visite scolaire dans un musée... l’Outrenoir lui colle immédiatement à la peau et influe sur ses choix de vie futurs. Quand elle reparle de ce coup de foudre, en visitant l’expo rétrospective Soulages au Musée du Louvre, elle se découvre des points communs avec l’artiste et elle comprend qu’on n'aime jamais une oeuvre d'art par hasard.

En latin, Mélanie veut dire “de couleur noire”. 

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Direction le Viaduc des Arts, dans le Studio de Jeremy Maxwell Wintrebert, artiste souffleur de verre.

A l’intérieur de son atelier qui modèle le verre en fusion, une équipe s’active autour de lui pour l’aider à concevoir et diffuser ses créations, vers les quatre coins du monde, et dans les musées, puisque certaines de ses oeuvres ont été exposées dernièrement au MusVerre ou au Palais de Tokyo… 

Autodidacte né en 1980, son art du verre et du geste, il le peaufine depuis plus de 20 ans, ce qui lui permet aujourd’hui de réaliser des sculptures, lumineuses, parfois volumineuses, mais toujours sans moule, et à main levée. 

Chaque jour, devant le four en fusion, Jeremy explore les possibilités infinies de création que lui offre le verre. Une matière qui exerce sur lui, depuis l'enfance, une véritable fascination. 

Voici notre conversation, recueillie en fin de journée, après que l'atelier se soit vidé, pour découvrir avec lui, son univers, son parcours et le verre...  avec qui il entretient aujourd’hui, une relation singulière, filiale, quasi mystique… 

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Dans ce nouvel épisode, nous sommes partis à Londres. Pour découvrir un lieu emblématique du street art de cette ville: le Graffiti Tunnel de Leake Street. 

Situé juste derrière la Gare de Waterloo, il a été "créé" à l'origine en 2008 par Banksy. Un grand nombre de street artistes de renom y ont laissé leur empreinte. Aujourd'hui, c'est le seul endroit dans Londres où chacun peut graffer ou dessiner légalement.

Avec Sophie, guide française expatriée à Londres, nous avons parcouru les 300 mètres de ce tunnel, qu'elle nous a fait découvrir. Elle nous a partagé sa passion de cet endroit, des artistes, de ce mouvement, et de la ville... Dans laquelle elle a décidé de vivre.

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Nous avons retrouvé l’auteur, compositeur, interprète Albin de la Simone, au Musée d’Orsay, pour une visite, en sa compagnie, de l’exposition “Manet / Degas”.

Invité d’honneur autour de cette expo, depuis quelques mois, il a pris ses quartiers au Musée d’Orsay, qui lui a laissé carte blanche pour piocher, dans les peintures de ces 2 artistes, des histoires à raconter en musique..

Résultat: une chanson de son nouvel album, les Cent prochaines années, sorti en mars dernier, est directement inspirée de la contemplation de deux tableaux de l’exposition:  La Prune de Manet, et L’Absynthe de Degas.

Le rendez-vous était fixé avec Albin devant l’entrée de service du musée, à 08H30. Le moment où Orsay se refait une petite beauté juste avant d'accueillir ses premiers visiteurs, on avait donc un peu de temps devant nous pour se balader dans les salles désertées de cette expo qui présente en parallèle ces deux superstars de l’histoire de l’art: Edouard Manet et Edgar Degas. 

Deux acteurs essentiels de la Nouvelle Peinture à la fin du 19ème siècle, précurseurs, inventeurs, géniaux, à leur façon, ils ont changé la façon de représenter le vivant.

Une expo événement, à ne pas rater, que vous soyez admirateur de Manet, de Degas, ou des deux, ou d’aucun des deux d’ailleurs. Parce que ce qui est présenté ici, au-delà de certains de leurs chefs-d’oeuvre qui n’avaient jamais été réunis ensemble, c’est surtout leur histoire. Leur famille, leur époque et leur relation avec d’un côté, Manet le mondain, de l’autre, Degas le taciturne, que presque tout oppose, et qui pourtant, au cours de leur vie, successivement, se respectent, se détestent, ou s’admirent.

Nous avons donc suivi Albin de la Simone, au fil de ces oeuvres exposées, dans lesquelles il s’est projeté de nouveau, pour nous, au micro.

Une visite, au calme, de bon matin, seuls avec Degas et Manet. Et pour reprendre ses mots, lâchés à la fin de l’expo:  “c’était une belle façon de commencer une journée.”

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En collaboration avec le Musée d’Arts de Nantes, nous vous faisons découvrir, de l’intérieur, sa grande exposition estivale 2023, HYPER SENSIBLE. Un regard sur la sculpture HYPERRÉALISTE.

Installée dans le Patio du Musée, au cœur de ses collections, l’exposition explore ce courant artistique apparu il y a plus d’une cinquantaine d’années, dont le but est de créer en sculpture l’illusion de la réalité pour représenter l’humain et le vivant… Au-delà de la fascinante virtuosité de ces artistes pour représenter le réel au risque de le confondre, ce qui a suscité notre curiosité, c’était la relation entre ces œuvres et le public.

Face à des sculptures hyperréalistes de femmes, d’hommes ou d’enfants, il très difficile de rester insensible. On a voulu se rendre compte par nous-mêmes de ce phénomène souvent fascinant d’effet miroir, d’introspection, d’attirance ou de répulsion que l’on peut ressentir face à ces œuvres.

Nous avons donc passé 2 journées intenses face aux sculptures hyperréalistes mais surtout… à côté des gens qui les regardaient: le public évidemment, mais aussi les employés du musée, qui vivent chaque jour au milieu de ces œuvres troublantes de vérité.

Pour les réaliser, les artistes de ce courant utilisent généralement une technique bien particulière, le moulage sur modèle vivant, avec des matériaux comme les résines polymères et la fibre de verre. Et pour que l’illusion soit presque parfaite, ils vont coiffer, habiller et accessoiriser, ces personnages. 

Chacun à leur manière, ils scrutent le monde, ses failles et ses détails, pour reproduire toujours plus précisément la réalité de nos corps, de nos quotidiens et de nos existences.

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Pour ce dernier épisode de la saison, nous avons rencontré Nikos Aliagas.  Homme de télé et de radio, journaliste. Nous l’avons rencontré pour évoquer avec lui, sa véritable passion: La pratique photographique.

Un déclic qui remonte à l’enfance, il se souvient d’ailleurs parfaitement de l’instant de cette rencontre, c’était en Grèce, dans le pays de ses origines. Ensuite, comme un besoin, il ne va jamais cesser de  photographier.  Depuis quelques années, dans l’ombre de son personnage télévisuel, il s’autorise à exposer son travail, et dans des institutions culturelles comme l’Hôtel de Ville de Paris, le Musée des Beaux Arts de Bordeaux ou la Fondazione dellAlbero d’Oro à Venise… où il partage simplement son regard, et son univers photographique, en noir et blanc, bien éloigné des lumières électriques des plateaux télé.

Jusqu’au 31 octobre 2023, c’est dans un lieu exceptionnel, l’Abbaye de Jumièges, en Seine Maritime, que se tient sa dernière exposition Le Spleen d’Ulysse. Une centaine de photographies, récentes ou plus anciennes, sont regroupées ici autour de cette figure mythologique, pour illustrer des sujets qui lui tiennent à coeur comme l’exil, le voyage, la finitude, les racines, les traces du temps, et la solitude… Des sujets qui semblent ne jamais le laisser vraiment tranquille... Mais que la photographie apaise.

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Emblème de la Renaissance, le Château de Chambord, c’est une silhouette reconnaissable entre mille, une renommée internationale, et surtout un chef d'œuvre architectural. Construit à partir de 1519, de l’imagination de François 1er, et très sûrement inspiré par Léonard de Vinci… Mais Chambord, ce n’est pas uniquement le Château.  C’est aussi, tout autour, un immense Domaine. Avec un village, des fermes et une forêt, à perte de vue, qui abrite un réservoir exceptionnel de faune et de flore, et un mur d’enceinte, de 32 km de long.

Voulu dès l’origine par François 1er pour préserver le Domaine, ses premières pierres ont été posées il y a presque 500 ans. Conçu pour durer, il est resté debout toutes ces années… jusqu’en 2016, quand des inondations dévastatrices lui ont causé d’importants dégâts. 

En 2020, le Domaine National de Chambord décide de lancer la restauration du Mur, avec la volonté que ce soit aussi un chantier d’insertion et d’inclusion, et fait appel à l’association Acta Vista, dont c’est la mission depuis plus de 20 ans.

Ainsi, depuis 3 ans maintenant, tous les matins, à la lisière du Domaine, arrivent près du mur, des personnes de tous horizons, pour apprendre les gestes de restauration du patrimoine historique auprès d’artisans qualifiés.Très souvent étrangers, ils ont fui des pays en guerre ou en souffrance, pour commencer ici, à se reconstruire… 

Voici l’histoire de ce chantier. Et d’un mur qu’on restaure.

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Dans ce nouvel épisode, nous sommes allés passer la journée à Laguépie, une petite commune du Tarn-et-Garonne, au milieu des élèves de la classe de CM1/CM2 de Muriel Sanchez, institutrice. Avec sa classe, elle a décidé de participer aux Enfants du Patrimoine.

Une manifestation organisée par le réseau des CAUE, les Conseils d’Architecture, d’Urbanisme et de l'Environnement, soutenue par les Ministères de la Culture, de l’Education Nationale et de la Jeunesse, et qui propose à toutes les écoles des activités ludiques et pédagogiques, avec l’objectif de sensibiliser les élèves au patrimoine.

Cette année, les Enfants du Patrimoine ont rassemblé plus de 40000 élèves et 500 partenaires culturels, en proposant près de 900 activités en France métropolitaine et d’outre-mer.

Animés par cette mission de service public, celle de promouvoir la qualité du cadre de vie, les CAUE sont convaincus que les nouvelles générations sont aussi concernées par le patrimoine, celui du territoire où ils habitent.

Alors, dans les villes ou les villages, le temps d’une journée, tout un maillage d’enseignants, d’acteurs culturels, d’architectes, de paysagistes, d’urbanistes, et d’autres professionnels, s’activent au service des enfants, pour les aider à regarder avec plus d’acuité et de curiosité tout ce qui les entoure, que ce soit un bâtiment, un paysage ou la nature.

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L’ouverture d’un nouveau lieu culturel, ce n’est pas si fréquent et c’est toujours un événement. Alors, ne boudons pas notre plaisir, d'accueillir, depuis quelques jours la toute nouvelle Cité Internationale de la langue française. 

Installée au cœur d’un lieu de patrimoine exceptionnel, le château de Villers-Cotterêts, dans l’Aisne, la Cité est entièrement dédiée à la langue française et à l’ensemble des cultures francophones. Avec 2 objectifs: Révéler cette langue dans toute sa richesse, sa diversité, et ses formes d’expression. tout en restant accessible aux adultes, aux jeunes générations, aux français et aux étrangers. Comment est-ce que l’on réfléchit et on conçoit un projet culturel d’une telle ampleur?  Et puis, quels sont les enjeux et les messages portés par cette Cité? C'est ce qui nous intéressait de comprendre, en venant dans ce sublime château de Villers-Cotterêts, où nous avons pu rencontrer 3 personnes qui chacune à leur façon, ont contribué à l’ouverture de la Cité:

l'Académicienne Barbara Cassin, philologue et commissaire scientifique de l’exposition permanente, Mathieu Avanzi, dialectologue à l’origine de plusieurs dispositifs de médiation, et Xavier Bailly, directeur délégué de la Cité internationale de la Langue Française.

Un lieu culturel géré par le Centre des Monuments Nationaux, avec qui nous avons réalisé en collaboration cet épisode.

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J'ai rencontré un faussaire, un vrai: Guy Ribes, 73 ans, une légende. Il a inondé le marché de l'art de ses "faux" pendant plus de 30 ans, certaines de ses toiles seraient encore accrochées dans des grands musées internationaux... Je l'ai rencontré chez lui, dans son espace réduit, au milieu de ses dessins et de ses souvenirs, pour parler technique de faux, mais aussi de son enfance au milieu des gangsters lyonnais, de sa passion pour le papier, et d'émotion devant une oeuvre d'art... Le faussaire est dans le VRAI.

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Nous sommes allés rencontrer le dessinateur Riss, au Mémorial de la Shoah, pour découvrir une exposition temporaire qui présente une sélection de ses dessins, lorsqu'il qui a couvert pour son journal Charlie Hebdo, il y a 26 ans, l’intégralité du Procès Papon. Il sera condamné à 10 ans de prison, pour complicité de crimes contre l'humanité.

Un procès qui marqua les annales judiciaires et l’histoire de notre pays, puisqu’il permit de mieux comprendre l’implication de l’Etat français dans la déportation des juifs. Comment dessine-t-on, au jour le jour, un procès? Quelles sont les spécificités et la force de ce dessin, le dessin d’audience, ou croquis de justice, comme on l’appelle? Et à titre personnel, qu’est-ce qui l’a particulièrement marqué au cours des 6 mois de ce procès historique…  Lorsque s’ouvre le procès, le 10 octobre 1997, en plein coeur de la salle d’audience, Riss est là, près du box de l’accusé. Crayon gras à la main et carnet à dessins sur les genoux, prêt à retranscrire ce moment judiciaire unique. Il va produire un travail d’archive et une œuvre artistique hors norme puisque c’est le seul dessinateur, et peut-être même le seul journaliste, à avoir couvert l’intégralité du procès. Au total, plus de 400 dessins, dont une soixantaine sont présentés ici dans l’exposition, qui font revivre les confrontations, les déclarations et les tensions de ce procès…

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Conversation avec Camille Jouneaux, la très "connectée" créatrice de la Minute Culture sur instagram qui nous parle de sa passion pour la Cour Marly, au Louvre. Un des endroits au monde qu'elle préfère... pour se déconnecter et ranger son téléphone. Ce qu'elle aime, c'est regarder les sculptures... et les gens. 

Remerciements au Musée du Louvre

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Parce que son œuvre d’art est classée à part, que son sens de l’humour est détonnant, et son nom d’artiste fleure bon l’encre, le bois et la nostalgie d’une époque révolue, j’ai voulu percer le mystère qui se cache, derrière ce nom, le Tampographe Sardon, l’artiste créateur et concepteur des tampons aux formes et aux messages rigolos, poétiques, absurdes… mais souvent vulgaires.

Je l’ai d’abord retrouvé, dans son antre du 20ème arrondissement de Paris, à côté du boulevard de Charonne et juste en contrebas du cimetière du Père Lachaise, au 4, rue du repos, là où il vend, 1 journée par semaine, ses fameux tampons. Mais la boutique, ce n’était que la première étape de notre rendez-vous. L'enregistrement allait avoir lieu juste derrière… chez son voisin, le Père Lachaise, dans les allées du cimetière. Voilà en tout cas, comment, par une belle matinée de décembre, je me suis retrouvé, en compagnie de Vincent Sardon, c’est son vrai nom, à arpenter les pavés du plus célèbre des cimetières parisiens, à la recherche de l’humour noir qui infuse l’encre de ses tampons. 

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C’est dans son appartement parisien, là où il vit et dessine, que j’ai rencontré l’artiste Alireza Shojaian. Il a 35 ans, il est iranien, et il est exilé en France depuis 2019, forcé de quitter son pays, parce qu’il dessinait des corps masculins dénudés. En Iran, l’homosexualité et la représentation de la nudité sont un crime, et s’il voulait continuer à vivre et créer librement, il n’avait pas d’autre choix que de partir.

Sa vie a basculé quelques années plus tôt, lorsqu’étudiant, au sein de son école d’art, il commence à représenter ses premiers corps masculins, comme un besoin irrépressible d’assumer ce qu’il ressentait au fond de lui. A la même époque, il découvre l’existence du mot “queer” et comprend qu’il fait partie de cette communauté militante dans laquelle se rassemble chaque personne qui n’accepte pas de se laisser dicter une sexualité, une identité ou un genre.

Aujourd’hui, à Paris, il continue de mettre en scène dans ses dessins des hommes nus ou partiellement nus, fragiles, intimes, pour défendre sa propre vision de la masculinité et de la virilité. Un combat idéologique en somme, crayon en main, contre le pouvoir en place de son pays, et contre toutes les formes d’oppressions, ici ou ailleurs,… 

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Grégoire Ichou est guide conférencier et ténor. Il organise des visites chantées dans les musées. Son but est de transmettre sa passion de l’histoire de l’art en musique. Je l’ai rencontré au Musée La Piscine de Roubaix et à la Villa Cavrois. Suivez la visite enchantée de Grégoire… 

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Fanny Cohen Moreau, la créatrice du podcast "Passion Médiévistes" m'a emmené voir la Dame à la Licorne, la "star" du Musée de Cluny, musée du Moyen Age. Vieille de plus de 5 siècles, cette tapisserie fascine toujours autant par son mystère et la jeunesse de mon message... Fanny vient la voir régulièrement, comme on vient voir une amie... Et vous, vous avez déjà vu une licorne...? 

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Jean Pierre Raynaud est aujourd'hui un des plus artistes contemporains français les plus reconnus, depuis plus de 50 ans, ses oeuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde. Mais ce qu'on sait moins, c'est qu'il n'était pas destiné à devenir artiste. Avec un diplôme d'horticulture, il devait être paysagiste... Mais un matin, tout a changé... Il raconte comment il est devenu artiste, presque par hasard.

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C’est dans la tranquillité de son studio, en banlieue parisienne, que nous avons rencontré Christian Guemy, alias C215. L’un des artistes urbains français les plus reconnus sur la scène “street art” mondiale. 

Depuis 2006, dans la rue, les institutions ou même les prisons, il réalise au pochoir des portraits colorés, de personnes à qui il veut rendre un hommage particulier : Anciens résistants, enfants, amoureux, laissés pour compte, toute une palette de visages, à destination des passants, avec un message: ne les oubliez pas.

Avant de se rencontrer, et pour préparer notre entretien, Christian Guemy nous avait conseillé de lire un ouvrage qu’il a écrit en 2021: L’art de s’effacer. Un livre sincère et intègre, dans lequel il partage au lecteur sa vision du monde de l’art, ses réflexions sur la société actuelle, son rôle en tant qu'artiste, mais dans lequel il dévoile aussi, pudiquement, un peu de son histoire personnelle, un parcours de vie hors du commun, bouleversant, qui commence bien loin du monde qu’il va côtoyer ensuite.

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Pendant tout l'été et jusqu’au 22 septembre 2024, le Musée des Beaux Arts de Rouen dévoile au public sur ses cimaises l’exposition: “Whistler, l'effet papillon”.  Une exposition qui met en lumière un artiste singulier et fascinant, de la seconde moitié du XIXème siècle: le peintre américain James Abbot Mac Neill Whistler.

Alors, si son nom ne vous est pas immédiatement familier, sachez que vous connaissez sûrement une de ses toiles. Car elle fait partie des oeuvres les plus célèbres de l’histoire de l’art, c’est même une icône de la culture populaire, il s’agit du fameux "Portrait de la mère de l'artiste":

Une femme, assise, de profil, les pieds sur un reposoir, dans une longue robe noire et austère, devant un mur gris.

Peinte en 1871, cette œuvre, va connaître un tel retentissement, qu’elle devient quelques années après, un véritable modèle à atteindre ou à reproduire pour des générations d’artistes, qui veulent se mesurer au talent de Whistler. Mais bien au-delà de ce portrait, que les visiteurs auront la chance de voir dans cette exposition, c’est toute l'oeuvre de Whistler, composée d'harmonies de formes et de couleurs, qui va inspirer les peintres de son temps, jusqu’à faire émerger un mouvement artistique: le whistlerisme.

Et son impact dans l’histoire de l’art ne s'arrête pas là… puisqu’il est admis aujourd’hui, que son coup de pinceau, radical pour l'époque, annonçait déjà la peinture abstraite américaine …

Un peintre précurseur donc, un artiste influenceur, et une personnalité flamboyante, c’est le sujet de cette exposition et de cet épisode. Et au travers d’une scénographie inédite qui recrée l’ambiance des salons mondains de la fin du 19ème siècle, nous sommes venus écouter la vibration des couleurs whistleriennes, en compagnie de celles et ceux qui ont conçu, pensé et rendu accessible cette exposition: “Whistler, l’effet papillon…”

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"Le design, c'est fait pour discuter" a déclaré le célèbre designer italien Ettore Sottsass. Alors, on a suivi cette recommandation à la lettre, et Laure Choquer, designer passionnée par son métier m'a emmené au Musée des Arts Décoratifs de Paris pour une visite dans les Collections Permanentes... Elle m'a parlé de sa passion pour son métier, un savoir faire, des techniques et des matières. Le meilleur audio guide possible pour visiter le MAD... 

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Pendant tout l’été 2024, les Musées Fabre à Montpellier et Paul Valéry à Sète, ont décidé de s’associer pour rendre hommage à l’artiste Jean Hugo. 

2 expositions qui se complètent pour faire découvrir toute l’immensité et la richesse de l'oeuvre de cet artiste qui fût décorateur de théâtre, illustrateur, peintre, poète puis écrivain.

Jean Hugo est l'arrière petit-fils de Victor Hugo, il naît en 1894 et commence sa carrière d'artiste au sortir de la première guerre mondiale. Il fréquente toutes les avant gardes artistiques pendant les années folles, et puis, en 1930, se retire à la campagne, pour peindre et écrire, jusqu'à sa disparition en 1984. 

Autodidacte, observateur, humble, délicat, sensible, Jean Hugo avait beaucoup de talent… mais pas celui de se mettre en avant. Car, malgré plus de 1000 peintures, 300 dessins, une cinquantaine de mises en scène de théâtre, et des collaborations avec les plus grands artistes de son temps, on l’a surnommé un jour: le célèbre méconnu.

Les 2 expositions de Sète et de Montpellier qui lui rendent aujourd'hui hommage offrent une plongée dans l'œuvre et la vie de ce personnage attachant. Et au travers des peintures, des photos et des archives présentées, il nous semble presque l'avoir connu… Ce sentiment de familiarité avec l'artiste, c’est le tour de force réussi par celles et ceux qui ont pensé et conçu cette rétrospective: les commissaires d'exposition, la scénographe qui a dessiné le parcours, mais aussi les enfants de Jean Hugo. Ils sont 7, et ils ont contribué par leur collection et leur implication à ce que son œuvre soit aujourd’hui accessible au plus grand nombre… 

Un épisode réalisé en collaboration avec le Musée Fabre et le Musée Paul Valéry.

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C’est en plein cœur de la Capitale, tout au bout de l'Île de la Cité, entre Notre-Dame de Paris et la Seine… qu’est situé le Mémorial des Martyrs de la Déportation. Un lieu unique par son histoire, son message et son architecture, auquel on accède en descendant un escalier pentu. Le début d’un parcours invitant au silence, au recueillement et à la réflexion.

C’est à l’initiative d’une association d’anciens déportés et de résistants, le Réseau du Souvenir, qu'est inauguré le Mémorial en 1962. Ils veulent offrir à la Nation toute entière, aux familles, un lieu pour se réunir, se souvenir et rendre hommage à tous les déportés partis du sol de France, durant la seconde guerre mondiale, qui ne sont jamais revenus. 

Dans les années 70, alors que certaines voix commencent à remettre en question l’existence des camps, il est décidé de créer dans les salles supérieures du Mémorial un parcours pédagogique complémentaire. Entièrement rénové en 2016, son objectif est clair: transmettre la mémoire de la déportation.

Pour vous faire découvrir ce lieu, nous avons suivi le parcours du Mémorial: le parvis, la crypte, les salles pédagogiques… et même au-delà… Sur notre chemin, nous avons rencontré une médiatrice, un musicien, un historien, un collégien et une dame de 98 ans. Plusieurs voix, plusieurs générations, réunies ensemble, pour dresser le portrait de ce Mémorial pour faire entendre ce monument, cette mémoire, ce Mémorial.

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Parmi les grands musées parisiens, le Musée du Quai Branly - Jacques Chirac est celui que l’on visite pour découvrir toute la richesse des arts et des civilisations d’Afrique, d’Asie, d’Océanie et des Amériques.

Plus de 3500 objets sont ainsi exposés sur son Plateau des Collections, dans ce vaste espace décloisonné, construit autour d'une allée centrale, qui serpente comme une rivière pour permettre au public de naviguer entre les cultures des 4 continents.

Depuis le 17 septembre 2024, pour ajouter au plaisir de la déambulation et de la contemplation, le Musée du Quai Branly a décidé d'ajouter un nouveau sens à la visite, en intégrant le SON dans cet espace.

Techniquement, ce sont plus de 120 relais d'écoute, connectés à un objet, une vitrine ou une aire géographique, qui diffusent en permanence ou au passage des visiteurs, une véritable bande-son composée de voix, d’ambiances, de créations musicales, d'archives, ou d’enregistrement de terrains.

Un dispositif discret et délicat, de façon à ne pas perturber la visite, et à l’enrichir pour celles et ceux qui tendent un peu l’oreille…

L’objectif du musée sera atteint si le son vous permet de vous rapprocher d’une œuvre, ou tout simplement vous donne envie d’en savoir plus sur ces civilisations venues d’Afrique, d’Asie, d’Océanie et des Amériques.

Un épisode réalisé en collaboration avec le Musée du Quai Branly - Jacques Chirac.

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Hannah Assouline, commissaire de l'expo "Juifs du Maroc" au Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme, a vécu une histoire aussi incroyable qu'émouvante avec une photo. Elle-même photographe professionnelle, elle nous raconte l'histoire de cette photo qui a changé sa vie et celle de ses proches, et nous présente l'exposition qu'elle a organisée sur le travail de Jean Besancenot, photographe ethnologue dans le Maroc des années 30. Pour elle, c'est important de préserver la mémoire de sa famille et de Besancenot.

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Nous sommes allés rencontrer dans son atelier parisien, au cœur du quartier de la Goutte d’Or, le peintre Hervé Di Rosa. C’est ici qu’il vit et travaille, en famille… dans les murs d’une ancienne imprimerie, nichée au fond d’une cour d’immeuble…Le matin de notre enregistrement, il finissait les dernières toiles qui seront exposées prochainement à Paris, dans la Galerie Templon, en janvier 2025. A cette occasion, il nous a invités, exceptionnellement, à pénétrer dans le saint des saints, le cœur du réacteur, l’endroit où il peint. Une pièce en sous-sol, avec au centre, une table remplie de sprays et de pinceaux, et tout autour, des dizaines de toiles… certaines emballées, prêtes à partir, et d’autres, accrochées directement au mur, en cours de réalisation… L’exposition à venir s’appelle “Idoles et Trésors”.

De toile en toile, c’est un imaginaire qui ne semble jamais se tarir… Et ça fait 45 ans que ça dure…  Il s’est fait connaître au tout début des années 80, en proposant avec ses collègues artistes de la Figuration Libre une peinture décomplexée, colorée, figurative, et volontairement accessible au plus grand nombre.

Il a grandi dans le Quartier Haut de Sète, avec un papa cheminot et une maman, femme de ménage, et même s’il a connu le succès très vite et très jeune, sa réussite ne l'a jamais éloigné de ses origines.

Il est enraciné dans la culture populaire et les hauteurs de Sète, et c’est d’ailleurs pour cela qu’il a fondé en 2000, dans sa ville natale, le MIAM, le Musée International des Arts Modestes, dont le but est d'accueillir toutes les formes d’art, même les plus marginales et tous les publics, même les plus éloignés.

Un lieu unique en son genre… comme ses peintures. 

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J'ai suivi Sarah Belmont dans son musée préféré, le Musée d'Orsay, une visite pleine d'énergie et passionnante puisque Sarah est une journaliste aux passions multiples: la danse, la mythologie grecque, les peintres impressionnistes, et Berthe Morisot... A vous de la suivre.

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J'ai rencontré Patrick Roger, un des plus grands chocolatiers du 21ème siècle, dans son atelier à Sceaux. C'est également un artiste reconnu du monde de l'art, car il sculpte aussi bien le chocolat que le bronze... Qu'est ce qui pousse ce fils de boulangers, entré dans un musée à 26 ans pour la première fois, à repousser ses limites dans la création... Réponse avec cet entretien exceptionnel, dans lequel Patrick Roger évoque son parcours, son passé et ses passions avec un regard sincère et sans concession....

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J'ai suivi la visite de FIBRE TIGRE, le célèbre auteur de fictions interactives et créateur de jeux vidéo, au Musée du Louvre. Il puise son inspiration et les références historiques nécessaires à ses créations dans les oeuvres d'art et les pièces d'antiquités du Musée. Une visite entre histoires, fictions et science fiction, mais surtout une autre façon de voir les oeuvres d'art.

Remerciements au Musée du Louvre

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J'ai rencontré Jacqueline Duhême, artiste et illustratrice de 92 ans, à la Maison de retraite des Artistes, elle m'a raconté avec une gouaille et une sensibilité irrésistible sa vie hors norme et haute en couleurs, et sa passion pour le dessin, depuis toute petite, qui l'a amené à rencontrer au cours de sa vie parmi les plus grands artistes du 20ème siècle: Matisse fût son premier patron, Jacques Prévert un collègue de travail et Paul Eluard son amoureux... Sa vie est en contact direct avec l'histoire de l'art. A vous de l'écouter. 

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Claude Bernès s'appelle lui même l'amoureux transi de Marie Vassilieff, une artiste russe du début du 20ème siècle. Sans aucune connaissance en histoire de l'art, ni capacités financières pour le faire, il s'est mis à acheter et compiler tout ce qui la concernait, après avoir vu ses peintures pour la première fois. Il est aujourd'hui son plus grand collectionneur, et une personne référente pour parler de son oeuvre. Ecoutez la vie de Claude Bernès, c'est comprendre comment on peut devenir collectionneur d'art, sans en avoir l'air... 

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Serge Tiers est un restaurateur d'oeuvres d'art qui collabore avec les plus grandes galeries d'art et collectionneurs internationaux. Je l'ai rencontré dans son atelier pour qu'il me parle de son travail, essentiel dans le monde de l'art et pourtant rarement mis en avant. Une occasion exceptionnelle de mieux comprendre ce métier et le rapport aux oeuvres d'art, de la part d'une personne qui les manipule avec soin, douceur et précision.

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En 2015, Kubra Khademi a dû fuir son pays après une performance artistique qu'elle a réalisée dans un marché populaire de Kaboul. Beaucoup trop irrespectueuse pour les intégristes de son pays, sa performance a fait l'effet d'une bombe. Aujourd'hui, elle vit en France, dans une résidence d'artistes de la Fondation Fiminco, à Romainville. Je l'ai rencontrée dans son atelier, elle m'a raconté son pays, les sévices subis dans son enfance, son rapport à la religion et sa vision du féminisme. Pour elle, il n'y a aucun tabou. Un intense moment d'échange. 

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Olivia Voisin, directrice du Musée des Beaux-Arts d'Orléans, nous invite à visiter avec elle l'exposition rétrospective qu'elle a organisée sur l'artiste Jean Marie Delaperche, un artiste majeur de l'histoire de l'art, mort il y a plus de 200 ans mais resté dans l'ombre jusqu'à nos jours, et redécouvert seulement en 2017 grâce à l'identification de 91 dessins achetés par hasard dans une vente aux enchères. On ne sait que peu de choses sur cet artiste aussi mystérieux que talentueux, mais Olivia Voisin en est certaine, dans cette histoire, rien n'est le fruit du hasard...  

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Frère Marc Chauveau est Dominicain... et historien de l'art. Au Couvent de la Tourette, où il vit avec sa communauté, il organise des expositions d'art contemporain chaque année, avec des artistes de renommée internationale, comme Anish Kapoor ou Anselm Kiefer... Je l'ai rencontré chez lui, dans ce Couvent, construit par Le Corbusier (1959), aujourd'hui inscrit au Patrimoine Mondial de l'Unesco. Son but, sa foi, c'est de partager au plus grand nombre la passion que lui inspire l'art et ce Couvent depuis qu'il y habite. Sa vocation, c'est la médiation.

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Le 19 mai, jour de réouverture des musées, je suis allé, micro en main, dans les allées du Louvre Lens. Je voulais vivre et ressentir cette journée de retrouvailles entre un public et son musée, dans ce lieu qui entretient justement une relation très forte avec son territoire et sa ville: ses premiers visiteurs sont ses voisins. Je n'ai pas été déçu du voyage, ce fût une journée riche en  rencontres et en émotions. 

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"A la recherche du temps perdu", le roman de Marcel Proust est considéré comme l'un des plus beaux livres de tous les temps. Depuis sa parution, il y a plus de 100 ans, l'auteur et son oeuvre exercent sur ses lecteurs une fascination singulière. C'est ce que j'ai voulu comprendre, en me rendant là où le roman commence... A Illiers Combray, dans la Maison de la Tante Léonie, où Marcel Proust, enfant, y a inscrit dans sa mémoire des impressions et des images qui nourriront ensuite l'écriture de ce roman fleuve. J'ai eu la chance de visiter ce lieu mythique pour les Proustiens, avec le Président de la Société des Amis de Marcel Proust, Monsieur Jérôme Bastianelli. Il prend soin avec dévotion de cette petite maison qui abrite en son sein les souvenirs d'enfance d'un des plus grands auteurs de l'histoire de la littérature. 

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Pendant plus de 40 ans, Gilbert Vahé a pris soin du mythique jardin de Claude Monet à Giverny. Il est le jardinier, en compagnie de Gérald Van Der Kemp, à l'origine de sa sauvegarde quand il était à l'abandon, au milieu des années 70. Aujourd'hui, à la retraite, j'ai rencontré Gilbert dans les allées de ce jardin qu'il n'avait jamais vraiment quitté, au milieu des fleurs et de ses souvenirs. Comme dans une toile de Claude Monet... 

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Le marché de l'art faisait sa rentrée, début septembre, pour l'ouverture de la foire d'art moderne et contemporain: Art Paris Art Fair 2021. Pour sa 23ème édition, qui se tenait pour la première fois au Grand Palais Ephémère, la foire accueillait plus de 140 galeries d'art, impatientes de retrouver leurs collectionneurs. 

Retour à l'audio et en immersion, dans les allées de la foire, au milieu des stands et des conversations de galeristes, pour comprendre la passion  qui anime celles et ceux dont le métier est de nous donner envie de collectionner. 

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Mister Zozo est un artiste autodidacte, dessinateur et photographe. Mais avant d'exposer dans les galeries d'art, il a été comédien, clown et circassien. De son vrai nom, Sylvain Granjon, il a un parcours tout en rebond, c'est un enfant de la balle. Son univers loufoque et décalé, peuplé de personnages un peu cabossés, reste le même, qu'il soit sur scène ou sur le papier. 

Mister Zozo, c'est de l'humour noir dans un monde en couleurs. Rencontre avec lui dans son tout petit atelier, sa "petite boîte" comme il l'appelle... 

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Sophie, lors d'une journée scolaire au Musée d'Orsay, tombe nez à nez avec "la Pie" de Claude Monet. Choc esthétique immédiat, le tableau donne un sens à sa vie. A la fin de cette journée, elle veut devenir artiste. 25 ans plus tard, Sophie retourne voir le tableau pour la première fois et se replonge dans ses souvenirs et son ressenti... Elle est toujours sous le choc du tableau.

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